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por Paula Cabaleiro. Comisaria, gestora cultural y directora del Festival Miradas de Mujer Galicia 2014.

 

Foto familia de las artistas y gestoras participantes en el acto Inaugural Miradas de Mujeres en Galicia, el 8 de marzo en Lugo

Foto familia de las artistas y gestoras participantes en el acto Inaugural Miradas de Mujeres en Galicia, el 8 de marzo en Lugo

‘La artista está presente’. Con esta declaración directa, sensata y reivindicativa arrancaba la 3ª edición del festival Miradas de Mujeres.

El título de la exposición que el MoMA dedicó en 2010 a Marina Abramovic sintetiza a la perfección la pretensión de esta iniciativa de MAV: visibilizar el trabajo de las mujeres en el campo de las artes visuales. Así lo explica su directora nacional, Mónica Álvarez Careaga: “En primer lugar, porque se trata de una artista exitosa, muy conocida popularmente; porque las exposiciones individuales son casi siempre de un artista varón y, finalmente, porque el MoMA es el museo que ha definido durante décadas el canon del arte contemporáneo occidental, el mismo que despreció el trabajo de las artistas. Todas estas ideas sintetizan lo que queremos comunicar en esta edición del festival”.

Este 2014 el festival se presentaba el 21 de Febrero en la zona de Presentaciones del Pabellón 7 de la feria internacional de arte contemporáneo ARCO en Madrid, con las intervenciones de Marián López Fdz. Cao, presidenta de la asociación de Mujeres en las Artes Visuales (MAV), de Mariana Hormaechea, directora del festival en Andalucía, y de Mónica Álvarez.

Más de 1000 ARTISTAS, 308 SEDES, 162 Sedes institucionales (museos, centros de arte, salas, ayuntamientos, universidades), 146 Sedes particulares (galerías de arte, asociaciones, espacios privados), 18 Universidades, 7 Museos estatales. 15 COMUNIDADES AUTÓNOMAS, 95 Localidades. 347 ACTIVIDADES CULTURALES, 253 Exposiciones, 94 Actividades paralelas (concursos, certámenes, conferencias, seminarios). Estas son las cifras de esta edición. Y todo ello fue posible gracias a una estructura colaborativa implicada, ilusionada, formada por la dirección nacional y un amplio equipo de directoras regionales: Mariana Hormaechea (Andalucía), Carlota Santabárbara (Aragón), Natalia García Fernández (Asturias), Carmen Quijano (Asturias), María Sánchez García (Castilla- La Mancha), Araceli Corbo (Castilla y León), Irene Ballester (Comunidad Valenciana), Mercedes Estarellas, Pilar Rubí y María del Mar Massutí (Islas Baleares), Susana Baldor (La Rioja), Naiara Valdano y Semíramis González (Madrid), María José Cárceles (Murcia), Marta Prieto (Navarra), María José Aranzasti (País Vasco) y una servidora, Paula Cabaleiro (Galicia).

Desde un punto de vista personal (y regional) destaco de esta tercera edición el impacto que ha tenido en el tejido cultural-artístico de mi comunidad. Un total 28 sedes, distribuidas en las 4 provincias gallegas se han sumado a una iniciativa horizontal y democrática que ha generado un dinámico flujo de propuestas de muy diverso índole, a lo largo del mes de marzo. Directoras, gestoras, comisarias, investigadoras, docentes… y por supuesto artistas, trabajaron de forma cooperativa para dar cuerpo a Miradas de Mulleres.

Exposiciones individuales como “A-nudando” de Eva Lootz (Galería Trinta en Santiago de Compostela), “Mar de Crebas” de Alejandra Sampedro (Galería AboutArt en Pontevedra), “Vínculos” de Helena Segura-Torrella (Galería Moret Arte en Coruña), “Caminos del espejo” de Yolanda Dorda (Galería Bus Station Space en Santiago de Compostela) y “Música” de María Manuela (Galería Sargadelos de Ferrol).

Obra de Helena Segura-Torrella en la exposición Vínculos en la Galería Moret Art en Coruña

Obra de Helena Segura-Torrella en la exposición “Vínculos” en la Galería Moret Art en Coruña

Exposiciones colectivas como “Olladas de muller sobre a Guía postal de Lugo de Maruja Mallo” (Rede Museística de Lugo), “Piel y Silencio” (Galería Metro en Santiago de Compostela), “Esculturelas” (Galería Art Cuestion en Ourense).

Convocatorias abiertas como “Arte Abastos” (Concello de Mondariz, Pontevedra), espectáculos de danza como “Empatía” de la Compañía de danzaUSCLugo y “Onde se fugan as valentes” de la Compañía de danzaUSCompostela da USC (Universidade de Santiago de Compostela); teatro como “La Anarquista” y “As do Peixe” en Teatro Rosalía de Castro (Concello de Coruña); performance como “Limpia y pura” de Neves Seara (Pazo San Marcos, Redes Museística de Lugo); happening como “Tres Miradas con-partidas” de Ana Lamuño, Yolanda Dorda y Sara Seoane (Galería Monty4 en Coruña); mesas redondas como “Tras la Huella de Bourgeois” (Fundación María José Jove en Coruña), “Coleccionismo” (Centro Cultura de NovaGalicia Banco en Santiago de Compostela) y “Novas creadoras, novos valores” (Casa das Mulleres, Concellería de Igualdade, Vigo); recitales poéticos como “Onde pousar o verso” de Dores Tembrás (Museo de Pontevedra), jornadas de debate como “ARTE+MULLERES” (Consello da Cultura Galega en Santiago de Compostela) y “O cinema como proceso de auto-recoñecemento “Do real á verdade do real: a redor de A cicatriz branca de Margarita Ledo (Galicia,2012)” (Universidade de Santiago de Compostela); ciclo de documentales como “Ollar de Mulleres” (Sala-X, UVigo, Pontevedra), talleres de creación colectiva como los realizados en proyectos como “Mulleres de aquí e acolá” (Rede Museística de Lugo); conferencias como “La mujer ante el espejo: estudios corporales” de María Jesús Zamora Calvo (Museo de Bellas Artes en Coruña) y “Sobre la obra de Regina Silveira” de María Peña Lombao (Galería Vilaseco Hauser en Coruña), entre otras muchas actividades.

Jornada ARTE+MULLERES en Consello da Cultura Galega en Santiago de Compostela

Jornada ARTE+MULLERES en Consello da Cultura Galega en Santiago de Compostela

Natalia Poncela, Anxela Caramés y Chelo Matesanz debatiendo durante la mesa redonda "Tras la Mesa de Bourgeois" en Fundación María José Jove

Natalia Poncela, Anxela Caramés y Chelo Matesanz debatiendo durante la mesa redonda “Tras la Mesa de Bourgeois” en Fundación María José Jove

Miradas de Mujeres ha supuesto un trabajo en red, un enriquecimiento del tejido cultural gallego, una puesta en común, una desvirtualización de muchas personas que sólo se conocían a través de las redes sociales o de “vista” o “oídas”, una expansión viral de convocatorias y vías de participación colectiva, un contagio positivo de ansias de dinamización, reivindicación y activismo cultural. En definitiva, un esfuerzo por parte de instituciones, agentes y usuarios por “posibilitar”, por poner en valor el papel de la mujer en las artes visuales, por “incluir”.

 Porque INCLUIR es hacer que [algo o alguien] pase a formar parte.

Es democratizar, visibilizar, posibilitar. Acciones que deberían construir una gestión cultural, y por extensión, una sociedad, que responda a parámetros de igualdad, de paridad de oportunidades para individuos e individuas. PERSONAS.

¿Incluimos?

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por Elena García. Coordinadora General de Art Madrid.

Verano de 2013, Ríos Rosas 54, empieza la aventura. Un equipo pequeño pero motivado, dinámico y tenaz, de amantes y “forofos del arte”, pone en marcha la 9º edición de Art Madrid, con el claro objetivo de renovar y dinamizar la feria. Tras varios días de brainstorming, decidimos abrir la convocatoria: Art Madrid’14 empieza a coger forma.

ART MADRID'14

ART MADRID’14

La cosa marcha, el proyecto gusta. Galeristas, artistas y amantes del arte, comienzan a preguntarnos por la feria. ¿Qué cambios van a producirse en la próxima edición de Art Madrid? es la constante pregunta. Uno de los cambios fundamentales son el nuevo espacio, la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles, ubicación inmejorable, en pleno Paseo de las Artes de Madrid y junto a los principales museos de la capital. El nuevo equipo y el deseo de convertir Art Madrid en un modelo de feria de arte contemporáneo de referencia son las piezas fundamentales del cambio.

Después de varios meses recibiendo solicitudes y estudiándolas al detalle, conociendo artistas, galeristas y profesionales del sector, llega el día de la selección. El Comité se reúne para estudiar todas las propuestas para el Programa General. Tras dos días dedicados al análisis profundo de todos los dossiers, Art Madrid ya tiene los primeros expositores de la feria, conformado por galerías que presentarán obras de arte contemporáneo y de vanguardia, este último, elemento fundamental en la feria desde sus comienzos.

Laura Ramis (Galería Adora Calvo)

Laura Ramis (Galería Adora Calvo)

 

 

Héctor Velázquez (N2)

Héctor Velázquez (N2)

 

De forma simultánea a la selección del programa general, empieza a desarrollarse el One Project, un proyecto bicomisariado por Carlos Delgado Mayordomo y Javier Rubio Nomblot, y destinado a galerías que presentan un proyecto de un artista en formato “solo show”.

Llega noviembre y ya tenemos el listado definitivo de expositores y artistas participantes. Queremos estar al día de todo lo que se cuece en las galerías, de los intereses e inquietudes de los artistas, de sus necesidades… Otro punto fuerte de la feria fue el crear alianzas y sinergias con instituciones, colectivos y agentes artísticos. Conseguimos la colaboración de Casa de América, institución que nos cedió la Sala Cervantes para realizar un ciclo de mesas redondas dentro del programa de actividades paralelas de la feria. Y en el Centro Cultural Coreano pudimos organizar Re-Presentaciones, una exposición colectiva de artistas españoles y coreanos comisariada por Carlos Cartaxo.

Se acerca el “día de”. Sin darnos casi cuenta Art Madrid está a punto de celebrarse. Nervios, incertidumbre, emoción y muchas ganas; sentimientos compartidos entre todo el equipo.

Se abre el telón…Martes 18 de febrero, empieza el montaje de Art Madrid’14. A las 08:00 am llegan los primeros expositores a montar sus stands. Entre peanas, escaleras, clavos, botes de pintura y otros enseres, las obras de arte empiezan a ocupar el espacio de la Galería de Cristal (Palacio de Cibeles). Los galeristas son expertos en montaje de ferias, lo tienen todo controlado al milímetro… A las 22.00hrs la feria estaba lista para el goce y disfrute de todo interesado.

Rafa Macarrón (Propuestas de Van Dyck)

Rafa Macarrón (Propuestas de Van Dyck)

Miércoles 19 de febrero. Inauguramos un proyecto en el que llevamos trabajando con mucho empeño durante ocho meses. Galeristas, artistas, miembros de la organización, colaboradores, comisarios, amigos y colegas conviviendo durante 5 días en un espacio magnífico.

La feria se abre a la gente en un discurrir vertiginoso, lleno de entusiasmo, expectativa y curiosidad. La inesperada afluencia de público, la gran acogida de las actividades programadas, la alegría de los niños en el taller infantil con los ojos inundados de arte, el trajín, el ir y venir, las buenas palabras, las visitas de sorpresa, las cámaras de la prensa, las piezas vendidas despidiéndose del recinto en brazos de nuevos dueños, las sonrisas contagiosas, el inevitable dolor de pies, pero, ante todo, la enorme satisfacción de haber sido coherentes, constantes y entregados y percibir que ésta es una sensación compartida por todo el mundo.

Samuel Salcedo (Galería 3Punts)

Samuel Salcedo (Galería 3Punts)

Domingo 23 de febrero. Esto se acaba. Abrazos, besos, aplausos, felicitaciones… ¿qué más podemos pedir? Todo esfuerzo tiene su recompensa.

Lunes 24 de febrero. ¿Ya ha pasado? ¿Cómo es posible? Después de tanto tiempo de intenso trabajo, nos tomamos el día libre. Necesitamos descansar, pero, aunque suene inquietante, echamos de menos ese “puntillo placentero” que nos daba la cúpula de cristal que nos ha acogido durante casi siete días. Comenzamos una nueva aventura, con todas las fuerzas e ilusión que nos ha aportado la anterior y con el objetivo de que Art Madrid’15 nos deje a todos el mismo o mejor sabor de boca que Art Madrid’14.

Continuará…

VISTA FERIA ART MADRID

VISTA FERIA ART MADRID

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por Nicola Mariani. Blogger y community manager de Durán Arte y Subastas.

Si te has preguntado alguna vez qué es y cómo funciona una subasta de arte, en este post vas a encontrar las respuestas.

Durán Arte y Subastas, vista de la sala durante una subasta. Foto: Durán Arte y Subastas.

Durán Arte y Subastas. Vista de la sala durante una subasta.  Foto: Durán Arte y Subastas.

Quizás no todos sepan que la venta en subasta es la forma más antigua de comercio de obras de arte. De hecho, se trata de una venta pública en remate introducida en la antigua Roma. Las subastas eran muy populares entre los romanos y se celebraban en la Via Sacra y bajo los pórticos del Saepta Julia en el Foro.

El término “subasta” deriva del latín y se refiere a la costumbre de clavar una lanza (“hasta”) en el suelo ahí donde se celebraba la venta. Ello garantizaba que el comercio se desarrollaba bajo la garantía de la autoridad pública (“sub hasta”).

El incremento espectacular del coleccionismo, que se conoció en Roma a partir del siglo I a.c. (tras la conquista de Grecia), llevó a un gran impulso de las ventas de obras de arte a través de este canal. Asimismo, a la figura del subastador se añadieron las del tasador, del importador, del mediador… Y también nació la tendencia a invertir dinero en objetos artísticos con el fin de venderlos sucesivamente, en periodos de dificultades económicas. De esta manera se pusieron las bases de lo que hoy en día llamamos mercado del arte.

Durán Arte y Subastas. Vista de la sala septiembre 2013. Foto: Durán Arte y Subastas.

Durán Arte y Subastas. Vista de la sala septiembre 2013. Foto: Durán Arte y Subastas.

Actualmente se suele hablar de subastas casi siempre en ocasión de ventas de obras de artistas de renombre, cuyas cotizaciones millonarias se convierten en noticia en los principales medios de comunicación.  Sin embargo, el trabajo de una sala de subasta se desarrolla a lo largo de todo el año y atañe tanto a obras de arte como a otras tipologías de objetos de colección, como arte decorativo, numismática,  libros y manuscritos , joyas, mobiliario etc.

Durán Arte y Subastas. Exposición, septiembre 2013. Foto: Durán Arte y Subastas.

Durán Arte y Subastas. Exposición, septiembre 2013. Foto: Durán Arte y Subastas.

En Durán Arte y Subastas, por ejemplo, celebramos subastas todos los meses. Y así ha sido siempre, desde que la sala abrió sus puertas en 1969. Podemos presumir de ser la sala de subastas más antigua de España, llegando a realizar en estos años más de 500 ventas públicas, incluyendo subastas temáticas de arqueología, arte pop, minerales, fotografía, estilográficas, fósiles, ajedrez y otras áreas de coleccionismo.

En torno a la sala de subastas suelen existir varios prejuicios. En general, se tiende a pensar que sea un ambiente elitista y exclusivo, al cual es casi imposible acceder. Sin embargo, es todo lo contrario. Al igual que visitar una galería de arte o una tienda, asistir a una subasta es absolutamente gratuito. La entrada es libre, no se necesita invitación y no es obligatorio comprar.

La celebración de una subasta puede ser también una buena ocasión para ver una exposición de obras y objetos, muchas veces raros o antiguos, que difícilmente se pueden ver en otros lugares. En Durán Arte y Subastas, todos los lotes que se subastan mensualmente siempre se exponen en los 7 o 10 días anteriores a la subasta. La exposición se realiza en la misma sala y, por supuesto, se puede visitar libremente en los horarios de atención al público. Si la tipología de piezas es especialmente relevante, la exposición puede llegar a durar incluso semanas, como en el caso de la primera Subasta arqueológica de España que celebramos en febrero de 2011.

David Durán. Subasta arqueológica en febrero 2011. Foto: Durán Arte y Subastas.

David Durán. Subasta arqueológica en febrero 2011. Foto: Durán Arte y Subastas.

Además de en persona (visitando la exposición) los lotes de la subasta se pueden consultar a través del catálogo en papel que se edita cada vez que se celebra una subasta. En Durán Arte y Subastas el catálogo se puede consultar también online en nuestra página web y se puede descargar gratuitamente en formato PDF.

Portada del catálogo de la Subasta Inaugural, celebrada el martes 27 de mayo de 1969. Foto: Durán Arte y Subastas.

Portada del catálogo de la Subasta Inaugural, celebrada el martes 27 de mayo de 1969. Foto: Durán Arte y Subastas.

Otro prejuicio en torno a las subastas es que en ellas sólo se venden obras muy costosas para coleccionistas muy ricos. En realidad, en una subasta se pueden encontrar piezas de gran interés para bolsillos muy diferentes. En nuestra sala subastamos piezas cuyo precio de salida va de los 50 euros hasta cifras más importantes. Por supuesto, se han subastado obras maestras de la historia del arte, como por ejemplo “Santa Marina” y “Cordero pequeño” de Francisco de Zurbarán; “Herrador Marroquí” de Mariano Fortuny; “Pareja en un banco” de Pablo Picasso; “El paquete de tabaco” de Juan Gris; “Le Bouquet” de Marc Chagall y muchas más. Sin embargo, consultando el catálogo de una cualquiera de nuestras subastas es fácil darse cuenta de la gran variedad de lotes y de precios que aparecen en cada subasta.

Durán Arte y Subastas. Detalle de la exposición, Septiembre 2013. Foto: Durán Arte y Subastas.

Durán Arte y Subastas. Detalle de la exposición, Septiembre 2013. Foto: Durán Arte y Subastas.

 El funcionamiento concreto de una subasta, es decir el proceso a través del cual el vendedor pone en venta una obra y el comprador se hace con ella, es resumible en cuatro sencillos pasos. En este vídeo te los explicamos muy claramente:

La sala de subastas actúa como mediadora entre el propietario y/o vendedor, en nombre de éste, y los posibles compradores. La cifra de salida de cada pieza se determina de mutuo acuerdo entre la sala y el vendedor, tras una cuidadosa evaluación y estimación que hacen los expertos de la sala de subasta. Cada lote está sumiso a un proceso de estudio y catalogación. A veces la sala puede organizar los lotes, subdividirlos o combinarlos de conformidad a su experto criterio.

Consuelo y David Durán trabajando en la sala, 2005. Foto: Durán Arte y Subastas.

Consuelo y David Durán trabajando en la sala, 2005. Foto: Durán Arte y Subastas.

El potencial comprador de un lote, además de verlo en vivo y leer la información contenida en el catálogo, siempre puede solicitar información añadida o fotografías de detalles contactando con la sala.

El día en que se celebra la subasta, tanto el público que quiere asistir como los potenciales compradores acuden a la sala de subasta a la hora preestablecida.  Quien quiere participar en la puja tiene que registrarse a la entrada para que se le asigne una paleta con un número de identificación. Además de la puja directa presencial, también existe la posibilidad de solicitar la puja telefónica (para la cual se requiere un valor mínimo del lote subastado). También se pueden presentar ofertas por escrito a través de la web hasta 24 horas antes de la puja.

La cifra de salida de cada lote constituye el precio mínimo de venta en la subasta. Las pujas de las piezas están predefinidas en función del precio de salida del lote. Los incrementos de la puja, siguen una escala de intervalos de precios entre los que está comprendido el valor de cada lote. Por ejemplo, para un lote cuya salida está comprendida ente un valor de 50 y 100 euros (pongamos 80 euros) el incremento de cada puja corresponde a 5 euros (es decir, un diez por ciento del valor más bajo del intervalo). Mientras que para un lote con salida entre 1.000 y 2.000 euros (pongamos 1.500 euros) la puja corresponde a 100 euros.

Como ya es sabido, el lote se adjudica al mejor postor, que se convierte así en su nuevo propietario.

Si no has asistido nunca, te animamos a que te acerques a nuestra sala para probar en primera persona la emoción de una subasta en vivo. Como ya sabes, no existe alguna barrera a su participación. Estamos seguros de que es una experiencia que te encantará. Y casi seguramente te entrarán ganas de repetir. Por supuesto, puedes contactar con nosotros en cualquier momento por si tuvieras otras curiosidades o necesitaras ulterior información.

Durán Arte y Subastas. Vista de una subasta de los años setenta. Foto: Durán Arte y Subastas.

Durán Arte y Subastas. Vista de una subasta de los años setenta. Foto: Durán Arte y Subastas.

Para conocer más entra en nuestra Web: http://www.duran-subastas.com/ y en nuestro Blog: http://blog.duran-subastas.com, síguenos en Twitter: https://twitter.com/duransubastas o escríbenos un E-mail: duran@duran-subastas.com.

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por LRM Performance formado por David Aladro-Vico y Berta Delgado (www.LRM-info.com)

 

Alrededor de la última década ha resurgido con fuerza el término interdisciplinar y es frecuente encontrar artistas, obras, colectivos, programaciones, espacios y festivales que se califican como tales. Caligrama Proyectos Culturales nos ha invitado a LRM Performance, colectivo que opera desde las posibilidades del trabajo interdisciplinar a hablar sobre ello en su blog, y desde  aquí analizamos este término bajo nuestra experiencia.

¿Qué es interdisciplinar?

Interdisciplinar o interdisciplinariedad y también se podrían emplear otros términos – de los muchos que ya se han acuñado a lo largo de la historia– como pluridisciplinar, multidisciplinar, transdisciplinar, transmedia, multimedia, intermedia. Pero lo importante no es el término sino su significado y uso. Hablaremos aquí de una definición –la nuestra, como no puede ser de otra manera si uno pretende ser honesto–, siendo conscientes de las múltiples definiciones posibles del término, multiplicadas por todos los términos posibles, y sus implicaciones. El término postmoderno performance posee origen y carácter interdisciplinar y su significado real pertenece a muchas disciplinas, aunque hablaremos sobre él  más adelante.

Interdisciplinar lo usamos para referirnos a aquello relacionado con más de una rama del conocimiento, sea un producto o resultado,  o bien una metodología o procedimiento. El término se emplea en todas las actividades que sean creativas, es decir, recordemos que se refiere también a las ciencias, y de hecho, en muchas instancias se considera primeramente como un procedimiento científico.

Oskar schlemmer - Ballet Triadico  (1922)

Oskar schlemmer – Ballet Triadico (1922)

Cuando hablamos de algo Interdisciplinar, puede tratarse de un resultado Interdisciplinar, que combina diferentes disciplinas o especialidades profesionales y sobre todo, que pertenece a todas ellas, siendo difícil si no imposible adscribirlo a una sola.

Así mismo, Interdisciplinar puede ser un procedimiento que produzca un resultado no necesariamente Interdisciplinar, esto es: sólo durante la elaboración se utilizan disciplinas, especialidades o enfoques de procedencia distinta.

Existen muchos ejemplos de la Historia del Arte en los cuales los artistas hablan de la influencia de procedimientos o elementos de otras disciplinas en su obra. Sin embargo no siempre se trata de un resultado interdisciplinar. Un fenómeno como la sinestesia –el caso de artes plásticas y música es un cliché habitual– nos parece más relacionado con la metáfora (de la que hablaremos algo más) que con un intercambio real de procedimiento, como sería establecer una relación entre frecuencias de luz y frecuencias de sonido, o con un resultado común.

Nos referimos entonces a la interdisciplinariedad como producto que indudablemente pertenece a varias disciplinas y que es generado mediante intercambio o fusión de procedimientos. Mencionamos antes un mayor uso del término en ámbitos artísticos recientes, y vemos un creciente número de artistas  – ya desde el trabajo de Oskar Schlemmer, John Cage y Merce Cunnigham, el escenógrafo Robert Wilson con el compositor Philip Glass y la coreógrafa Lucinda Childs; Laurie Anderson, el compositor Heiner Goebbels con el artista plástico Francois Confino; Romeo Castellucci y el colectivo Socìetas Raffaello Sanzio; la compañía inglesa DV8 Physical Theatre y desde la aparición del happening y  la  performance en adelante incluyendo muchos otros en nuestra opinión cada vez más claramente interdisciplinares.

Heiner Goebbels - StiftersDinge (2011)

Heiner Goebbels – StiftersDinge (2011)

A lo largo y ancho de la historia ya podíamos encontrar precedentes, empezando por multitud de situaciones colectivas de artistas de diversas disciplinas, por ejemplo cuando son fácilmente agrupados en torno a un lugar –como por ejemplo la Florencia del siglo XVI, o el Black Mountain College, EEUU,  siglo XX, etcétera.  Situaciones que son a menudo convertidas en Zeitgeist por los historiadores (siguiendo una costumbre de “pluralizar lo único y unificar lo plural” de cuya conveniencia generalmente desconfiamos).

La idea de la obra de arte total que es acariciada tantas veces en la Historia no siempre desemboca en un resultado interdisciplinar. Cuando a fines del siglo XVI los intelectuales florentinos idealizaban el teatro grecorromano desean generar una nueva forma artística, pero nos disculparán si nos cuesta mucho considerar la Ópera como una forma de arte interdisciplinar. Aunque sobre ello se podría hablar mucho, creemos que incluso desde el siglo XX los artistas que desean establecer una relación entre las artes escénicas, visuales y música sobre un escenario no suelen encontrar  en la ópera un recibimiento muy entusiasta.

Una institución educativa abiertamente pluridisciplinar como fue el Black Mountain College, dió origen a una generación de artistas entre los que ya hemos mencionado algunos con trabajo interdisciplinar como Cage y Cunningham (la influencia de la danza contemporánea en Cage es determinante para su obra1) pero en nuestra opinión sus trabajos no son clasificables como clara e inevitablemente interdisciplinares. Aunque muchas de las destacadas figuras de la vanguardia americana que pasaron por allí hablan muy favorablemente de ese entorno y su interdisciplinariedad que se convirtió en modelo de muchas instituciones actuales.

¿Por qué no trabajar de manera interdisciplinar?

Esas situaciones sin duda generan la posibilidad del trabajo interdisciplinar, independientemente de que luego sea aprovechada o ignorada.

Aspectos sociológicos como la tendencia de los artistas y teóricos a “militar” en sus disciplinas, defendiéndolas encarnizadamente y construyendo “empalizadas y trincheras” intelectuales –e incluso físicas o económicas– para defenderlas y ponerlas por delante de las demás determinan la aceptación de lo interdisciplinar.  El caso de las artes plásticas y la performance es en nuestra opinión muy claro;  desea apropiarse de su significado. Estos efectos de realimentación endogámica social, profesional o educativa – ergo sectarismo, corporativismo o escolasticismo– son justificados como desarrollo, complejidad y especialización positivas porque según ellos generan progreso y refinamiento y protegen a la disciplina preservando su “pureza”.

La interdisciplinariedad se convierte entonces en una ocasión de “apropiación” en la que una disciplina busca algo que llevarse a su terreno. Esto refleja más el desgaste, agotamiento y falta de perspectiva de la disciplina por estar encerrada en un trabajo aislado, solipsista e individualista. Pensamos que antes que revitalizar superficialmente algo gastado o estropeado por la sobreprotección es mejor para autores y especialmente para los públicos aprovechar esas ocasiones para obtener algo nuevo.

La puesta en práctica

 En los últimos años, en las llamadas Artes en vivo – otro término que añadir a los posibles referentes interdisciplinares– la relación entre sonido y movimiento (así como imagen) se está convirtiendo en un cliché gracias a la asequibilidad de nuevas tecnologías que facilitan enormemente su interacción. Pero esa costumbre precedente de no romper esa barrera entre disciplinas y generar un trabajo netamente interdisciplinar sigue estando ahí en la mayoría de los casos.

Glass Wilson Childs - Einstein on the Beach (1974)

Glass Wilson Childs – Einstein on the Beach (1974)

No creemos que exista una barrera perceptiva que reduzca o impida la capacidad del público para percibir trabajos de forma interdisciplinar, muy al contrario, la audiencia nos parece estar predispuesta, al igual que cuando nuestro cerebro procesa la información que llega desde los sentidos y la memoria de forma simultánea creando ese conglomerado que podemos llamar percepción. Predispuesta y con ganas de disfrutar, sin prejuicios.

En el caso del profesional, el trabajo interdisciplinar amplía la capacidad perceptiva y asociativa de los autores y permite crear mediante procedimientos y formas más variadas, presentando nuevos esquemas mentales.

Con el trabajo interdisciplinar se refuerzan mutuamente los elementos que convergen. Audición y visión se alimentan uno a otro, un efecto que la Historia demuestra que no sólo es posible sino deseable.

Pero ello requiere del proceso de elaboración trabajar todos los elementos en conjunto y al mismo nivel de complejidad.

Distribución del trabajo de cada disciplina

Es interesante observar cómo muchas disciplinas  toman prestados términos de otras disciplinas, a veces de forma muy ambigua, como “textura”, “movimiento”, “color”, “gesto”, “contrapunto”, “forma”, y muchos otros, que se emplean tanto en pintura como escultura, música o artes escénicas. La metáfora es la preferida para describir procedimientos u objetivos. Personalmente, nos llaman la atención especialmente los términos que se refieren a espacio cuando se está hablando de tiempo  y viceversa.

El mundo de la metáfora en las artes es todo un campo a estudiar, y mucho se ha escrito sobre ello 2. Aunque la metáfora no siempre equivale a un intercambio real de procedimientos de creación (es decir: se podría crear una textura sonora usando un telar, pero no es eso a lo que se refiere el término habitualmente).

Trabajar con personas especializadas en diferentes disciplinas artísticas supone ante todo que todos han de poseer una actitud humilde y abierta para saber escuchar a los demás componentes del grupo y tener capacidad de extrapolar e integrar sus procedimientos, propuestas y materiales.

Desde el inicio de cualquier proyecto interdisciplinar se debe dejar de lado la idea antes mencionada de utilizar esos procedimientos, propuestas y materiales para simplemente resaltar nuestra obra como coreógrafo, músico o artista visual. El compromiso hacia un objetivo plural ha de ser honesto. Del mismo modo es importante tener seguridad, madurez y confianza en uno mismo como profesional  y no llegar al espacio común con necesidad de demostrar nuestras capacidades en nuestra disciplina, pasando por encima del trabajo de los demás.

Cada componente debe tener constantemente la visión global de la obra. De nada sirve que la obra posea aspectos bien desarrollados si los demás no están al mismo nivel, porque el resultado final de las obras y del trabajo de los artistas, sean individuos, colectivos, grupos o compañías se mide por todos sus componentes y cuando uno falla, todo el conjunto cae.

Para una perfecta integración de todos los elementos es necesario salir de los hábitos de nuestra propia disciplina: es posible intentar aprender los rudimentos de un instrumento musical siendo artista plástico, o a moverte en escena si eres músico, o a dirigir una luz aunque seas coreógrafo o bailarín. Pero incluso aunque esto no te resulte posible, debes hacer el esfuerzo de conocer esas disciplinas –conocer en el sentido totalmente experiencial, no necesariamente teórico: haber visto, escuchado o vivido las otras artes– y tener un enorme respeto.

Siguiendo ese camino, con el tiempo se descubre que los procesos creativos son paralelos en todas las disciplinas, que músicos, coreógrafos y artistas plásticos trabajamos buscando y estudiando duraciones, ritmos, tensiones, forma y formas, estructuras y composición, y que los procedimientos son perfectamente transferibles, cuando no extrapolables, porque su base, el pensamiento creativo – del que habría que hablar extensamente– , es la misma.

Y se descubre que es una fuente de riqueza muy prometedora.

El trabajo interdisciplinar en España

Así pues, el intercambio y mezcla de procedimientos entre disciplinas  demuestra sobradamente ser de enorme utilidad, y su resultado como producto integrado un objetivo real y emocionante y con una enorme capacidad para crear procedimientos y productos nuevos, crear futuro.

La barrera para su aceptación por parte del entorno profesional –que no del público ni de la percepción del individuo– con toda seguridad está en aspectos socio-económicos que antes mencionamos. Aunque como también indicamos antes, somos precavidos con las generalizaciones sobre la relación entre creación y sociedad, sí que nos da la impresión de que los momentos de mayor creatividad interdisciplinar (y en general) coinciden con momentos política y económicamente de mayor pluralismo.

En España las facultades de Bellas Artes, Conservatorios de Música y Danza y Escuelas de Artes Escénicas y otras instituciones educativas suelen encontrarse separadas espacialmente,  en diferentes edificios o lugares lo que provoca un desconocimiento muy amplio entre sus estudiantes de los procedimientos de cada una de las disciplinas.

Además, el bagaje histórico de la cultura de los ciudadanos en España es muy bajo, a menudo ni siquiera entre profesionales que puedan tener una alta especialización en su disciplina.

Así es fácil encontrarse con artistas plásticos que creen descubrir nuevos conceptos que etiquetan como arte sonoro pero que ya se podían encontrar en autores destacados de la Historia de la Música del siglo XX,  músicos que desconocen el arte contemporáneo y no sólo lo desprecian sino que se petrifican en torno a la estética del siglo XIX,  Artistas de Performance que desconocen o desestiman la historia de las artes escénicas, coreógrafos que utilizan la música para acompañar como mero relleno su trabajo, a veces sin siquiera conocer quién es su autor.

LRMperformance Memory Root Light (2012)

LRMperformance Memory Root Light (2012)

En otros lugares del mundo, como mencionamos antes al hablar del Black Mountain College (el cual tuvo una no muy larga existencia de1933 a 1957 pero cuyo legado es escandalosamente patente no solamente en las universidades de Estados Unidos) hay instituciones y lugares donde las disciplinas se encuentran y trabajan en el mismo espacio, comparten aulas, bibliotecas y proyectos.

Pero  lo más importante es que existe un bagaje cultural en los ciudadanos que les permite apreciar –y en consecuencia apoyar directamente– la creación de esos productos que claramente crean futuro. Debemos aprender si queremos deshacernos de  la tradición decimonónica de ir a remolque de lo que ocurre en el exterior.

Citas

1  Pritchet, J.  1993   The music of John Cage. New York, Cambridge University Press.

2   Un ejemplo de estudio sobre metáforas en la música se puede encontrar en: Snyder, Bob  2000  Music and Memory. An introduction. MIT Press, Cambridge, Massachusetts

 

Enlaces

Black Mountain College

Web oficial: http://www.blackmountaincollege.org/

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Black_Mountain_College

 

Merce Cunningham

Web oficial: http://www.mercecunningham.org/newwebsite/

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Merce_Cunningham

 

John Cage

Web oficial: http://johncage.org/

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/John_Cage

 

Oskar Schlemmer

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Oskar_Schlemmer

 

Ballet Triádico

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Triadisches_Ballett

 

Robert Wilson

Web oficial: http://robertwilson.com/

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Robert_Wilson_%28director%29

 

Philip Glass

Web Oficial: http://www.philipglass.com/

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Philip_Glass

 

Lucinda Childs

Wikipedia Ing: http://en.wikipedia.org/wiki/Lucinda_Childs

 

Laurie Anderson

Web oficial: http://www.laurieanderson.com/home.shtml

Wikipedia:  http://en.wikipedia.org/wiki/Laurie_Anderson

 

Romeo Castellucci – Socìetas Raffaello Sanzio

Web oficicial http://www.raffaellosanzio.org/

Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Romeo_Castellucci

 

DV8 Physical Theatre

Web oficial: http://www.dv8.co.uk/

Wikipedia:  http://en.wikipedia.org/wiki/DV8

 

LRM Performance

web: http://www.LRM-info.com/

 

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por Paula Cabaleiro. Gestora cultural y comisaria independiente. Coordinadora y diseñadora del proyecto.

 

Sumar, compartir y dialogar. Estas son las premisas de este proyecto, que nace de algunas ideas abocetadas el pasado mes de marzo. Ideas que pronto recibieron el suficiente apoyo para generar un cuerpo, una estructura y un equipo de trabajo. Y esto nos lleva a la clave que lo hizo y hace: implicación.

Tras estas palabras se afianzan 32 artistas que han desarrollado una red de colaboración. Y mediante sus creaciones han materializado una estrategia, un modo de trabajar que, como comisaria y gestora, reconozco en mi labor diaria. Soy trabajadora en red. Mi plataforma se constituye por un patrimonio de personas que se amplía de forma vírica, diferentes agentes del sector con las que coopero en exposiciones, diseños e ideas. Amplificar alcance, alimentar proyectos y contrastar métodos. Artistas En Red, no es más que el contagio positivo de esta metodología. Es una muestra de cómo muchas veces las artistas desarrollan esos caminos hacia la visibilidad de forma colectiva, sumando hilos, contactos, personas y esfuerzos. Juntas, artistas y gestoras,  tenemos más fuerza. Y debemos luchar por un espacio que es y debe ser compartido entre hombres y mujeres. Y al mismo tiempo, trata de generar sinergias entre artistas de dos territorios cercanos: Galicia y León.

ARTISTAS EN RED

ARTISTAS EN RED

Mi pretensión va mucho más allá de un simple proyecto expositivo que se podrá visitar en la galería ponferradina Dosmilvacas hasta el 26 de Julio. Este espacio, este proyecto está siendo punto de encuentro, de diálogo y debate, una toma de contacto entre un grupo heterogéneo y multigeneracional de artistas. Y esto se está desarrollando de forma abierta al público, receptiva e inclusiva. De ahí nace el I ENCUENTRO ARTISTAS EN RED que se desarrollará el próximo 13 de Junio, y extendiendo la red a otro espacio: al Museo Arqueológico de Cacabelos (León). En colaboración directa con su directora Silvia Blanco, coordinaré un evento que aglutinará en los espacios del museo conferencias, mesas redondas, foro de presentación de proyectos y un programa de perfomances desarrolladas por los artistas (del proyecto y externos por medio de convocatoria abierta) y en diálogo, con la participación de los asistentes.

En DOSMILVACAS. arte damos prioridad a proyectos inclusivos, sociales. Nos interesa acercar el arte a un espectador activo que se involucre en nuestros proyectos y participe del arte. Artistas en Red es vivo y rico en diversidad,  podemos dar a conocer el trabajo de muchas artistas que están creando ahora mismo, artistas contemporáneas que son cercanas por proximidad geográfica. Es una forma cálida de mostrar y promover arte contemporáneo en soportes muy diferentes con mensajes parecidos“. Reme Remedios, directora de la galería Dosmilvacas destaca del proyecto que “fue un trabajo especialmente gratificante a todos los niveles. Paula Cabaleiro es apasionada de su trabajo con una energía inagotable y contagia. Las ideas fluían dando frutos buenos.  La exposición,  es el fiel reflejo del trabajo bien hecho y disfrutado“.

Para hablar de impacto, me quedo con las impresiones de las creadoras que son parte del proyecto. En cuanto a qué supone a las participantes Artistas en Red, Neves Seara (Ourense, 1983) señala el impulso personal a realizar una pieza ex profeso para la exposición. “Ha supuesto para mí la posibilidad de exponer una obra de nueva factura, en la que he investigado una técnica nueva para mí. Además, esta pieza, por mover tan profundamente emociones que atesoraba en mi interior, se ha convertido en la pieza madre de una serie de obras de gran potencia emotiva y visual que formarán parte de un proyecto individual, “What Kind of heart”, que itinerará en diversas salas expositivas, dando un nuevo impulso a una serie de cuestiones estéticas y artísticas que necesitaba explorar.”

¿Cómo fue la recepción por parte del público?Creo recordar que alguien la llamó “oasis”, al asemejarse a una explosión de vida en un desierto en el que no hay nada más que arena“, me decía Beatriz Soldán (1978, Ponferrada, León), otra de las artistas. Paulova (Lugo, 1983) subraya el carácter integral del proyecto: “Esta idea de globalidad, desde mi punto de vista, es la que le da fuerza al proyecto,  el hecho de que alrededor de Artistas en red surjan iniciativas que proponen encuentros, charlas, debates, mesas de trabajo… y con un carácter abierto es lo que enriquece, no sólo al propio proyecto y a las artistas, sino a la población, que tiene la posibilidad de acercarse al arte contemporáneo sin miedo, olvidándose de ese complejo y formando parte mediante la relación directa, en primera persona.” 

ARTISTAS EN RED

ARTISTAS EN RED

Paz Vicente (Soria, 1968) recalca la necesidad de este tipo de proyectos de visibilidad: “A pesar de que a menudo actuamos como si la visibilidad de la mujer en el arte fuera un tema superado estamos en una época marcada por la crisis y la desigualdad en la que muchas de nosotras intentamos crear, crecer y luchar por conseguir esa visibilidad.” Y destaca de Artistas En Red: “La interacción y colaboración de un amplio y heterogéneo grupo de artistas que han sabido dejar al margen su individualidad para potenciar este proyecto colectivo y crecer con él. Es el momento de diseñar nuevas propuestas y dar rienda suelta a toda nuestra creatividad, optimizando los recursos de los que disponemos.”

Como comisaria y coordinadora debo resaltar el grado de implicación de las artistas y la ilusión generalizada que desató la propuesta. Y la satisfacción no puede ser mayor. Vocación es lo que me mueve. Y vislumbrar un pequeño-gran impacto en las personas con las que trabajas de forma inmediata es un proceso mágico.

Desempeño mi labor cada día gestionando cultura, con el propósito de alcanzar en un futuro cercano una igualdad efectiva y real. Y creo sinceramente que desde nuestro campo, el arte, se puede y debe contribuir activamente a la transformación de las mentalidades y a promover la igualdad de género con propuestas sensibles a los modelos que se transmiten y a la consideración de las mujeres como sujetos protagonistas de la acción social, la reflexión crítica y la creación de valores estéticos.

Debemos visibilizar, nombrar y apoyar.

Dar cabida. Propiciar. Sumar.

Cambiar. Derribar muros.

Está en nuestra mano.

ARTISTAS EN RED

ARTISTAS EN RED

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por Jorge Gemetto . Coordinador de Ártica 2.0.

Quienes vivimos fuera de los países centrales o de las grandes capitales y estamos interesados en el arte y la cultura, nos enfrentamos desde hace algunos años a algunas inquietudes y preguntas:

¿Por qué es tan difícil acceder a los referentes en el arte y la cultura? ¿Por qué tenemos que esperar a que, con suerte, una agencia de cooperación internacional traiga de visita, unas pocas veces por año, a alguna personalidad importante? ¿No sería mejor que estas muestras, seminarios y eventos, tan costosos por los enormes gastos de traslados y tan difíciles de concretar por el tiempo escaso con el que cuentan estas personas, se hicieran por Internet y fueran accesibles para cualquiera en cualquier lugar del mundo?

Ártica es un centro cultural 2.0 que nació a comienzos de 2011 con la idea de dar nuestra respuesta a estas preguntas. Lo que nos movió a crear este centro cultural fueron las ganas de acercar a una vasta comunidad de personas de habla hispana interesadas en el arte, la cultura y las nuevas tecnologías.

Los impulsores de Ártica contábamos de antemano con experiencia en educación a distancia y en el uso social de las nuevas tecnologías, además de ser grandes aficionados al arte en todas sus formas.

Conocíamos a una buena cantidad de artistas y especialistas en arte a quienes les costaba dirigirse a su público y transmitir sus ideas. Por otra parte, notábamos que la gente que no vive en las grandes capitales desea igualmente poder comunicarse y formarse con los referentes en su área. Nos planteamos dos tareas:

  • La primera, empoderar a los artistas y creadores de todo tipo en el uso de Internet y los medios sociales, para que puedan llegar a su público global de un modo directo.
  • La segunda, permitir a todos los estudiantes y aficionados acceder a los mejores profesionales de la cultura, independientemente del lugar de residencia.

Para realizar estas tareas, nuestro primer paso en Ártica fue construir un blog con contenidos sobre arte, cultura y gestión cultural en la web. Desde el comienzo, le dimos especial importancia a presentar artículos y reseñas con puntos de vista propios. Además, entramos en diálogo con otros blogs afines y, de esta manera, encontramos nuestro lugar en la blogósfera cultural iberoamericana.

ImagenBlog de Ártica

Si bien el blog es nuestra plataforma central, no es la única. También contamos con:

  • Perfiles en Twitter, Facebook, Pinterest y otras redes sociales, donde compartimos información, aprendemos de quienes admiramos y dialogamos con la comunidad de gente interesada en la cultura y las nuevas tecnologías.
  • Una biblioteca de recursos libres sobre arte y cultura digital.
  • Un newsletter quincenal con las principales novedades de nuestro centro cultural y de las redes sociales.
  • Webconferencias abiertas y gratuitas sobre estos temas.
  • Cursos online, tanto gratuitos como de pago, para empoderar a artistas y gestores culturales en el uso de nuevas tecnologías.
  • Cursos online sobre disciplinas artísticas particulares.
  • Servicio de consultoría en gestión de proyectos culturales en Internet.

ImagenAula virtual donde tienen lugar los cursos y talleres

En Ártica creemos que el libre acceso a la cultura es uno de los valores más importantes de nuestra sociedad contemporánea. Promoviendo y divulgando el uso de licencias abiertas en los contenidos artísticos, culturales y educativos, creemos que contribuimos a la democratización del principal activo de nuestro tiempo: el conocimiento. Pero si llevamos adelante esta tarea con convicción, es también porque creemos que la voluntad de compartir de ninguna manera desvaloriza el trabajo de los creadores. Muy por el contrario, los creadores dispuestos a compartir lo que hacen, logran darse a conocer con mayor facilidad y generan un diálogo directo con sus colegas y con su público. Todo esto redunda en oportunidades de nuevos proyectos. Hoy como nunca, gracias a las nuevas tecnologías, existen posibilidades de una gestión cultural independiente y nos alegra comprobar día a día que cada vez más creadores viven de su trabajo.

Pero, volviendo al comienzo, ¿qué significa que Ártica es un centro cultural 2.0? Significa que es un centro cultural como cualquier otro, donde ocurren eventos, donde la gente aprende, enseña y participa. Pero que, a diferencia de los centros culturales de antes, nos permite acceder estemos donde estemos. Un centro cultural donde la comunicación es sencilla y directa, donde los proyectos se tejen de manera horizontal, donde la colaboración es más fácil que nunca.

Para hacernos una idea de la potencialidad de este enfoque, bastan algunas muestras:

  • En agosto de 2011 lanzamos el curso abierto y masivo “Arte joven y cultura digital”, el cual contó con más de 400 inscriptos de toda Iberoamérica. Como corolario del curso, publicamos el e-book gratuito del mismo nombre, que ya lleva casi 7000 descargas. Si bien no nos interesan las cifras por sí mismas, lo cierto es que eventos con un alcance así serían imposibles en un espacio físico o con ediciones de papel, a menos que se invirtieran cifras enormes.
  • En 2012 repetimos la experiencia de un curso abierto y masivo, en este caso de cine, junto con el prestigioso crítico argentino Hernán Schell. En “El cine del siglo XXI” obtuvimos resultados semejantes (más de 350 participantes de muchísimos países), lo cual nos demostró una vez más que en Iberoamérica hay un interés muy vivo de la comunidad por el arte y la cultura.
  • Además, llevamos ya dos ediciones del curso online Gestión Cultural 2.0 y en septiembre de 2012 habrá una tercera edición. En dicho espacio se incubaron proyectos culturales de todo tipo que hoy son una realidad y que siguen una ética de trabajo similar a la de Ártica.

 ImagenPortada del e-book “Arte Joven y Cultura Digital”

En estos momentos estamos realizando un ciclo de formación online para emprendedores culturales, donde enseñamos a usar Internet para distintos proyectos y capacitamos en el uso de las herramientas de gestión, venta y educación online. La propuesta es que los participantes monten por sí mismos sus proyectos a medida que avanza el ciclo, y de hecho eso ya ha comenzado a ocurrir.

Lo que buscamos, en definitiva, es usar y enseñar a usar las tecnologías de la información y la comunicación para potenciar a los artistas y al sector cultural, para promover la autogestión y para acercar a los creadores entre sí y con la comunidad.

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por Jesús A. Ciarreta Palacios. Coorganizador del certamen internacional de Land Art Arte en la tierra.

El certamen internacional Arte en la Tierra es una iniciativa pionera en España promovida por el escultor canario afincado en La Rioja Félix Reyes.

Cuenta Felo (es así como llamamos a Félix Reyes) que fue invitado en 1997 por Emmanuele Pierobon a un certamen de escultores en Italia organizado por Agostino Verzi. Allí, artistas de varios países europeos convivían durante unos días trabajando en sus obras y compartiendo su creatividad. Fruto de esa experiencia, decidió organizar una actividad similar en su lugar de residencia, la localidad riojana de Santa Lucía de Ocón.

Así nació Arte en la Tierra, un encuentro anual en el que los artistas seleccionados dan rienda suelta a su creatividad en el entorno del valle en el que se encuentra el pequeño municipio riojano de Santa Lucía. Este pequeño valle recostado en las faldas de la Sierra de La Hez fue declarado Reserva Mundial de la Biosfera por la UNESCO en 2003 por su singular riqueza natural. Desde ese mismo año acoge esta cita artística.

En aquella primera edición fueron invitados cinco artistas afincados en La Rioja. Su esfuerzo y su talento sentaron las bases de esta cita española del ‘land art’, con trabajos grandiosos al estilo de los ‘earthworks’ de la década de los setenta como el desarrollado por Demetrio Navaridas en su obra ‘Vueltas y vueltas’, o visiones artísticas de dimensiones más humanas como el ‘Ara’, de Carlos Rosales, construida desde un profundo simbolismo.

Imagen“Vueltas y vueltas” de Demetrio Navaridas (2003). © Fotografía de Félix Guerra

Desde entonces, durante nueve ediciones Arte en la Tierra ha ido conformando su personalidad y, desde su nacimiento, depende de la buena voluntad de los artistas que participan de forma altruista, de la ayuda de los habitantes del pueblo, del favor del público que la visita y del amor al arte de quienes la organizan y sostienen económicamente.

Arte en la Tierra es arte efímero. El periodo expositivo se extiende cada año a lo largo del mes de agosto, con la particularidad de que quienes se acercan a Santa Lucía de Ocón la primera semana natural de agosto pueden ser testigos del quehacer de los artistas mientras arman, esculpen, pintan o moldean sus obras en el enclave elegido por cada uno de ellos. Esta circunstancia transforma la muestra durante cinco días en una suerte de ‘performance art’, arte en vivo, que en alguna medida influye en el trabajo de los artistas al convertir su actividad en espectáculo y a ellos mismos en sujetos de la obra artística.

Después, cuando la última puesta de sol del octavo mes del año echa definitivamente el telón de la muestra, la mayoría de las obras expuestas consuman el propósito de este certamen que nació como una iniciativa en la que el arte y la naturaleza se funden de manera indisoluble. Se funden y dejan de ser esa metáfora que entraña toda obra de arte a través de la cual –siguiendo el pensamiento de McLuhan– somos capaces de percibir fondo y forma, objeto y ambiente de manera simultánea.

Y es que la naturaleza influye de forma poderosa en la creatividad de los artistas. Los paisajes de Santa Lucía de Ocón ejercen una poderosa fuerza: estimulan su creatividad para construir imágenes capaces de intrigar al público, imágenes que encierran preguntas que desafían al espectador, que se ve impelido a interpretar lo que observa en busca de respuestas.

Imagen“Forma viva” de Adriana Omahna (2011). Fotografía © Rafael Lafuente.

El carácter efímero de esta muestra es en gran medida inexorable. Y esto es así porque, como continente del arte, la naturaleza se muestra tiránica, devoradora. Ambas cosas. Devora la voluntad del artista forzándole a buscar la armonía o como mínimo un diálogo coherente con el emplazamiento que elige. Es difícil sobreponerse a su presencia.

Retomando el discurso de McLuhan, podemos afirmar que el Valle de Santa Lucía ejerce sin tacha una función de espacio museístico al aire libre. Instaladas en él, las obras de los artistas permiten ver el todo del entorno a través de las creaciones del hombre. Unos trabajos que en ocasiones pugnan por integrarse en la naturaleza; mientras otras veces tratan de desarraigarse del poder de su presencia.

Lo efímero del certamen hace imposible que, durante el periodo de exposición, los trabajos de los artistas sean absorbidos por el ambiente: las obras de arte expuestas mantienen su efecto metafórico como espejo o contraambiente de un entorno natural que resulta imposible que pase desapercibido.

En cierta manera, Arte en la Tierra es el esfuerzo estéril por recuperar la sensibilidad holística perdida; ese estado del alma previo a la alfabetización en el que no éramos capaces de establecer diferencias entre figura y fondo, entre el ambiente y los objetos que acoge; un estadio propio del hombre primitivo, cuando no necesitábamos el arte para comprender el mundo que nos rodea. Quizá se trate de mera nostalgia por esa comunión con la tierra que tanto nos hemos esforzado en dilapidar.

Lo que sin duda es indiscutible es que esta muestra artística ofrece la posibilidad de presenciar paisajes insólitos durante un mes al año. La fuerza de las obras instaladas se une a la espectacularidad del entorno natural de Santa Lucía de Ocón para crear momentos irrepetibles en la contemplación.

Imagen“El éxtasis de Santa Lucía” de Peter Erskine (2011). Fotografía © Rafael Lafuente.


Pero como exposición temporal que es, el espíritu que rige Arte en la Tierra se opone a la idea de conservar las creaciones de los artistas, que llevan escrito su destino desde el momento de su concepción. Y ese destino no es otro más que el de su desaparición. Durante su corta existencia permanecen en el contexto original en el que fueron creadas. De esta forma mantienen el propósito y el valor que les dieron sus autores y, por tanto, también su espíritu y su significado.

En la última edición celebrada Arte en la tierra se lanzó a la red de redes, para intentar paliar de alguna manera ese destino de las obras, que si bien quedan inmortalizadas cada año en un catálogo impreso, necesitaban una nueva oportunidad de poder ser contempladas y documentadas. Así surgió Arte en la tierra 2.0 versión 1.1 en una Web en la que se pudieron seguir los avances de los artistas en vídeos diarios y unas conferencias emitidas en riguroso directo por vídeo streaming desde el Museo Würth La Rioja de arte contemporáneo y apoyada con las redes sociales más populares: Facebook, Twitter y Youtube.

Esta plataforma digital ha reforzado la imagen y el sentido de un certamen internacional, en su denominación y por la participación desde su segunda edición de artistas extranjeros, de traspasar fronteras y llegar a países de todos los continentes. Las acciones online de Arte en la tierra 2.0/1.1 fueron seguidas desde Italia, Reino Unido, Francia, Alemania, Rusia, México, Colombia, Argentina y Chile.

Para terminar, una merecida mención especial a los artistas que han formado parte de esta iniciativa, porque Arte en la Tierra es hoy lo que es gracias a su generosidad. Estos han sido los participantes a lo largo de estas nueve ediciones:

  • 2003. Óscar Cenzano, José Carlos Balanza, Carmelo Argáiz, Carlos Rosales y Demetrio Navaridas.
  • 2004. Sebastián Fabra, Ricardo González Gil, Joern Hansen y Blanca Navas.
  • 2005. Roberto Pajares ‘Pájaro’, Pepe Iglesias, Tomás García de la Santa y Pamen Pereira.
  • 2006. Julio Hontana, Javier de Blas, Lucho Hermosilla y Lesley Yendell.
  • 2007. Iraida Cano, Lucía Loren, Grego Matos, Marta Fernández Calvo y Raquel Fernández.
  • 2008. Michel Herrería, Raquel Monje, Marta Martínez y Darío Verástegui.
  • 2009. Alfredo Omaña, Carolina Belén Martínez, Emilia Fernández, Fernando Rubio Ahumada y María Gutiérrez-Solana.
  • 2010. François Mechain, Eduardo Alvarado, Manu Pérez de Arrilucea, María Ortega Estepa y Bodo Rau.
  • 2011. Carolina Leal, Adriana Omahna, Carlos de Gredos, el Grupo Ceko (Celina Valdibia y Eneko Ochoa) y Peter Erskine.

Os esperamos en la décima edición de nuestro certamen en Santa Lucía de Ocón, del 30 de julio al 4 de agosto, o en Arte en la tierra 2.0/1.2.

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